美国留学艺术专业，插画设计留学作品集需要注意几点
插画是一种视觉表达艺术形式，运用图案表现的形象，以其直观的形象性，真实的生活感和美的感染力，在现代设计中占有特定的地位。插画的表现方法主要有摄影插画、绘画插画和立体插画三大类。在美国欣赏插画已形成一种习惯，市场非常专业和规范，竞争也很激烈，插画艺术家的平均收入是普通美国人收入的三倍。插画目前被广泛用于现代设计的多个领域，涉及到文化活动、商业活动、影视文化等方面。作品集：艺术申请生的作品非常重要，插画设计的作品要求是用平面设计的完成插画类型的色彩、黑白的内容的展现。插画设计还需要学生具备很好的绘画和形象化描述能力，作品的要求“ the portfolio must include graphic design process samples (e.g., and/or work for graphic design finishes); and (dry media preferred) from life drawing classes and/or . Work should be submitted in digital format (, PDF or PSWeb gallery preferred)。”
你有哪些很好的插画作品集推荐?
亚瑟·拉克汗包括《爱丽丝梦游仙境》，《仲夏夜之梦》，《亚瑟王之死》，《尼伯龙根之歌：莱茵的黄金与女武神》（歌剧剧本），《彼得潘之肯辛顿花园》（Peter Pan in Garden），《鹅妈妈》和各种格林童话与安徒生童话的大杂烩。拉克汗最令人动心的就是他能够灵动展现出神话与童话的技巧了，我接触的*幅就是他的潘朵拉，从此就爱上了他的风格。P站画师Lexaiduer插画作品合集分享
Lexaiduer的插画图为日韩画风和画师有点相似，其中以英雄联盟kda女团插画作品等动漫游戏同人画比较多。Lexaiduer插画图集一直受到网友的喜爱，插画的画风圆滑优雅。对于喜欢画画的，插画设计的可以学习一下。以下为Lexaiduer画师2021年5/6/7/8/9/10/11/12月插画作品部分插画欣赏。Lexaiduer画师2021年插画作品合集预览 www.kanmanman.com/author/24
时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“
时装插画已经存在了将近500年，自从有了衣服以后，就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画，绘画和油画，也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益，它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化*的结果。接下来，我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
一. 时尚插画的开始
时装插画始于16世纪，当时全球的探索和发现导致人们对世界各个*的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍，以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间，出版了200多种这样的版画，蚀刻版画或木刻作品集，其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图，也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师，裁缝师，及其客户所使用，以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克·卡洛（Jacques Callot）和亚伯拉罕·博斯（Abraham Bosse）都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行，被认为是*本时尚杂志，其中包括Le Mecure Gallant，The Lady's Magazine，La Gallerie des Modes，Le Cabinet des Modes和Le Journal des Dames et des Modes。 在此期间，出版期刊的数量有所增加，这是对市场中越来越渴望了解*时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初，男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
二. 十九世纪的时尚图样（The fashion plate)
时装图样(The fashion plate)在18世纪后期独占鳌头，在巴黎风靡一时，期间诸如Horace Venet的《 et 》等出版物，以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁（Georges-Jacques Gatine）雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛，导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息，并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的（出现在1860年代），时装公司聘请了插画家，他们将与女装设计师直接合作，设计师将织物挂在现场模型上时，插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图，然后可以将其发送给客户。
到19世纪末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。 时装图样开始使用两个人物，其中一个人物可以从背面或侧面看到，以便可以从更多角度看到服装，从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定，以便为观看者提供全面的信息和指导。
三. 二十世纪的时尚杂志和插图
二十世纪初期的几十年来，现代意义上的时装插画首次开花。 随着*时装样式的发行变得越来越有利可图，时装插画师的工作成为一种职业。 时尚以前是单个艺术家的作品，现在正成为一个行业，以前所未有的数量生产新商品，以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》（Gazette du bon ton）于1912年至1925年出版，汇集了一群年轻艺术家，他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝（Iribe）是这些时尚插画家之中的领军人物，为著名的出版物做出了贡献，其中还包括查尔斯·马丁（Charles Martin），爱德华多·加西亚·贝尼托（Eduardo Garcia Benito），乔治·巴比耶（George Barbier），乔治·勒帕佩（Georges Lepape）和翁贝托·布鲁内莱斯基（Umberto ）。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响，以及装饰艺术风格新的变化。
在美国，大众市场时尚杂志《 Vogue》和《 Harper's Bazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。 Harper's Bazaar杂志与鬼才埃特（Erte）签订了*合同，该合同从1915年持续到1938年，是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发，《 Vogue》杂志的封面始终带有插图。 Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿（Helen Dryden），乔治·沃尔夫·普朗克（George Wolf Plank），乔治·勒帕佩（Georges Lepape），莱恩德克尔(F.X. )创作的艺术品。
*次世界大战后，欧洲艺术家加入了他们的行列，其中包括爱德华多·贝尼托（Eduardo Benito），查尔斯·马丁（Charles Martin），皮埃尔·布里索（Pierre Brissaud）和安德烈·马蒂（Andre Marty）。
四. 时尚插画的黄金时代
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。 每个商业艺术家都被认为是时装艺术家，都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地，光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上，这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初，照片开始成为杂志的*，Vogue杂志在1936年报道说，摄影封面的销售情况更好，插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退，美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间，美国的服装制造取得了长足的进步，改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买*的时装设计，而诸如Vogue和Women's Journal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚，摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求，而更倾向于诠释时髦的服装。 据该杂志的出版商抱怨说：“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣，他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累，因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“New Look”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说，这是一种倒退的风格，回到过去而不是对未来进行展望，但它也象征着回到更加开朗，乐观的时代。
五. 时尚插画的毁灭与复兴
到1950年代，时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人，这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章，或从事广告活动。
1960年代，时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失，这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现，1960年代发行了许多此类杂志，所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥·洛佩兹（Antonio Lopez）是这期间*在Vogue杂志上定期亮相的艺术家，他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶，时装插图一直难以生存，直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如La Mode en peinture（1982），Conde Nast’s Vanity（1981）和（1991）之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动，特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
六. 今天的时尚插画
介于精美艺术和商业艺术之间，时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时，因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息，因此插画家的重点不再是服装的精确呈现，而是解释服装和可能的穿着者。 在二十世纪末和二十世纪初，由于数字工具和社交媒体平台的支持，它发展出了一系列独特的艺术风格。 1990年代，先驱插画师Ed Tsuwaki，Graham ，Jason Brooks和Kristian Russell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序Adobe Photoshop和的出现，也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计和FIT开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴，时装插画家经常回望过去的大师，寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近，插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。 随着社交媒体的使用，时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩，错综复杂的图案和无穷无尽的个性，给人留下深刻的印象。
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想申请罗德岛设计的插画，作品集上有什么需要注意的吗，或者有没有经验可谈
罗德岛设计（简称RISD）成立于1877年，是美国最古老、最*的艺术设计院校之一。每年大概有2300名世界各地的学生来到RISD学习。
作品集要求
1. 绘画作品2幅：
使用40cm*50cm大小纸张，不得临摹他人作品。
*幅作品必须使用石墨铅笔或炭笔写生，主题不限，要通过自己的观察描绘出形状、光线、位置关系等。
第二幅作品从以下三个主题里选择：选择某个事物，进行拆解，然后基于此创作一个作品，其中应包含拆解的过程或是拆解的结果，并为这个作品取一个名字； 用光或是光线错觉进行创作，并为作品取名字；定义一个你想包含、容纳的东西，为它创作一个容器，并为作品取名字。
保证绘画作品的表面平整，对折两次，折成20×25厘米的大小，并在每张画的背面写上全名、生日和地址。邮寄到招生办时只接受原件，不接受复制品。
2. 12-20份作品：
作品可以采用2D或3D技术，要能够反映你的艺术见解、兴趣、思维；作品可以采用任何的媒介形式，可以是素描，可以是某个项目的成果，也可以是个人主导的作品。
3. 作品集必须通过Slideroom的方式递交（需要支付$10）。
申请经验
申请人的作品集应包括12至20件近期完成的作品（二维三维均可），需要体现出申请人在艺术方面的观点、兴趣、经验和能力。作品可以通过任何媒体形式展现，例如素描、油画、一项课堂作业或一份独立完成的研究报告。SIA建议在作品集中囊括2-3页关于作品集的过程记录或速写本的内容，用来体现同学们在制作作品集时研究准备与头脑风暴的过程。
推荐信（2-3封为宜）在RISD的申请过程中至关重要，*能找到业界著名的教授、学者、设计师、艺术家等，如果申请人能有幸和他们合作，并能提供相关项目作品，这样的推荐信会大大加分。而且这种推荐信能更加立体的展现申请人的才华，更加容易得到认可。
美国二十世纪杰出的插画家：洛克威尔.肯特
洛克威尔.肯特曾经为著名的名著（白鲸）画了300多幅插画，因为实在绘画的太棒了，竟然让兰登书屋的老板塞尔沃格外欣赏洛克威尔.肯特。在出版（白鲸）初版时，封面上竟然赫然印上了洛克威尔.肯特的大名。把原著作家麦克维尔反倒没印上，成了出版业传奇里的轶事！洛克威尔.肯特出生于1882年美国纽约州的北部一个镇子，*毕业于哥伦比亚建筑系，他后来画的插画就有建筑艺术绘画的很多底蕴，无论是绘画古典小说的亭台庙宇还是人物写真，都具有雕塑立体感！
洛克威尔善于为名著画插图。肯特也是二十世纪美国图书出版业鼎盛时期里最著名的美国插画家，他出入出版业和新闻届与商贾巨擘家中，他个性豪爽善于交际，为这些名人设计家庭藏书票。普通的大众藏书票设计一枚也要一百多到二百美元之间，是新一代成功的专业版画家，藏书票设计专家！
他衣着得体，出入上流社会，会推销自己的绘画也会经营自己的人生，充分体现了美国人生的特点。肯特绘画比较全才，油画，水彩，雕塑，装饰画，木刻，石板画和铜版画全都擅长，是一位非常有天分的大艺术家！
肯特画的名著插画代表作有（白鲸），著名的乔叟的（坎特伯雷故事集），还有（十日谈）歌德的（浮士德），（莎士比亚全集），美国惠特曼的（草叶集），美国兰登书屋的标志也是采用肯特的画的伏尔泰的（老实人）里的插画！
这是肯特为（坎特伯雷故事集）绘画的插画，肯特的插画非常有个性，线条黑白分明，非常具有幽默感和人物稍具夸张和艺术感的写实！作品格调在描绘小说人物风景里有着与欧洲插画家风格迥异的明显区别，看熟悉后，具有标准的二十世纪初的美国文化主义的味道！
洛克威尔.肯特去世于1971年，是一位很长寿的大画家！娶了三位夫人，晚年的第三位夫人比他的儿女大不了几岁，非常受画家宠爱，就像我国的张大千一样，晚年把几位老夫人留在大陆带着小夫人去了台湾和巴西！
洛克威尔.肯特画过，写作过，航海探险游历世界过，更爱过，风流过.....
（图片拍自理性生涯家藏书）
怎样做作品集？
插画作品集怎么做？插画是非常注重理念和主题的，作品展示过程中的前期调研，灵感转化，草图绘制，成稿创作都是和这个有直接的关系。在申请国外院校的时候，作品的主题和创意恰恰才是招生官最关注的。今天给大家分享艺术留学插画作品集如何做的相关内容。
插画作品集怎么做，从确定主题，前期调研，灵感转化，草图绘制，成稿创作，再到排版，插画作品集记录了你创作的全部过程。
它可以随时记录你的灵感，不需要特别精致有主题性。一方面可以帮助我们更好的进行后续创作，另一方面也是可以给考官展示我们灵感产生和思考的过程。
插画作品集制作流程
tep1确定主题
就插画而言，选择主题除了从自身兴趣出发寻找灵感之外，最核心的要点，就是所选主题的叙事性。无论是什么题材，都需要围绕带有叙事性的故事主题来创作。总而言之，选择的主题尽可能具体，而非抽象宽泛的话题。
tep2前期调研
这一部分与其他作品集的推敲方式接近，Mind Map、参考书籍都是很有必要的。需要注意的是，在大量收集灵感素材，发散思维的同时，也需要将调研收集的资料进行有条理的整合。
tep3灵感转化
插画灵感转化是一个开脑洞的过程。除了可以将之前收集的素材做一些视觉元素的提炼之外，还需要根据之前所确定的主题进行故事情节内容的具体推敲，并在每一个部分都尽可能去细化多个细节。
tep4绘制草图
草图的绘制会为自己创作满意的成稿做一个重要的铺垫，在创作过程中极为关键。作品的构图、色调、风格以及元素之间的关系编排都会在这一步骤中基本定型。
虽然草图不用进行精细绘制，但草图的每一个部分都需要有清晰具体的构思，能够明确想象出自己要做的效果；如果是创作一个系列作品，则使用的材料与绘画风格都需统一，保持画面的一致性。
tep5成稿创作
这一部分需要有计划、细心地进行。在按照勾勒的草稿组织好画面之后，并在绘制过程中注意步骤。
tep6排版
作品集成品的最终体现，一定要把握主题、风格、逻辑在整个作品集排版中的贯穿与统一。
以上就是插画作品集怎么做的介绍，希望能帮助到插画设计留学的同学，更多作品集制作的一系列问题，欢迎咨询美行思远艺术留学专家。
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艺术无国界，文化有共识，于国际插画作品集中感受艺术的语言
在国际艺术体系中我们听到的最多的话或许是那句“艺术无国界，文化有共识”，艺术是*可以让国与国之间进行无障碍交流沟通的桥梁，而艺术又是生生不息的、超越界限的、是可以在交流中产生共性的，即使语言、文化存在着较大差异，但对于艺术的认知大致类似。Hiiibrand作为一个全球创意平台自2010年以来共举办了近30余场国际级专业比赛，吸引了包括品牌标志、绘本、插画、字体设计、产品设计、摄影等创意领域，来自100多个*或地区的超过30000人次的参与，此次举办的第七届Hiii 国际插画大赛共收到来自50多个*和地区的参赛作品2673件。
由江苏凤凰美术出版社推出的《Hiii 国际插画作品集（第7辑）》收录了本届大赛最终评选出的“全场大奖”1件、“评审奖”4件、“*作品奖”20件、“优秀作品奖”63件、“*奖”3件和“入围作品”171件，以及媒体评审遴选的“媒体推荐作品”26件，所选作品皆收录于本书，而我们也将通过本书体验什么是真正的“艺术无国界”。
获得本次全场大奖的作品是来自毕业于美国哥伦布艺术与设计、并被选为每个专业仅有一名的杰出毕业生古逸霏，她的作品结合了达利的作品元素，利用大胆的撞色和不规则纹理将达利作品风格通过插画的形式表达出来，使其极具张力。
以“画能打动人心的作品”为创作理念的独立画师释开达的这部绘本作品《神之桂》则利用了金黄底色、深灰与黑色的碰撞展现出神与凡人之间的各种联结间的对比，俯视与仰视、依偎与被依偎、倾诉与聆听、困惑与抚慰······每一个线条都充满想象的空间。
在这些作品中凌云创意展出的限量版产品汉水硒谷给人以视觉上的冲击，它所展现的是以秦岭四种珍稀动物形象绘制而成的自然风貌，动物形态与地质形态巧妙的结合呈现了独具*特色的绘画形式，大气磅礴、细腻而独具创意。
这些插画作品或线条丰富，或寓言性极强，或充满天马行空的幻想，或影射关于人心的思考，不同的插画作品带给我们不同的艺术感悟，而不同的思维也将带给我们不同的灵感与创意。
这其中也不乏凸显艺术文化特色的作品，像胡云峰的《楚乡音·端午粽》、罗伯特·卡特的《战争的代价》、娜塔莉·普达洛夫的《爱丽丝梦游仙境》、约·瑞夫拉的《一个小女孩的冒险》、米凯拉·巴索的《如果呢？》等等。
艺术无国界，文化有共识，人们对于美的表达早已超越了身份的界定，让我们凭借着对艺术的感悟去《Hiii 国际插画作品集（第7辑）》中感受艺术的美感与震撼吧！